past exhibitions


Fri 27.01 to Sun 26.02 // EXHIBITION, OPENING // GALLERY

JAKOB KOLDING, dislocated discolated
OPENING: FRI, 27. JANUARY 2017, 7 – 11 PM
Curated by Elodie Evers
Jakob Kolding is best known for his hand made collages and posters in which he samples and mixes the visual idioms of art, architecture, literature, theatre, and music. Since the late nineties, Kolding has been creating his own vocabulary of cut-outs that continues to grow and expand with time. The same elements are re-used and re-contextualized in different works, constructing a variety of context-dependent meanings and narratives. Whereas his early works were mostly made with reference to a specific time and place, usually revolving around the relationship between the ideologies of urban planning and the actual use of space, his newer works are more abstract and hence more open for interpretation.
Recent years have also witnessed a gradual development towards the 3-dimensional in his work: arrangements of sculptural figures, life-sized wood cut-outs printed with black and white imagery, transfer the collages into the actual space. Kolding creates scenographies — stagelike settings that invite viewers into a tableau vivant while demanding that they constantly navigate their own spatial experience.
The exhibition at ACUD brings together both a group of sculptural figures and a selection of new small-scale collages. Through their size and the depth of their frames, these collages allude to historical dioramas. Dioramas were originally produced as miniature scenes in three dimensions with objects and figures placed in front of a painted background in order to create a realistic impression. In inviting people to look at, and often literally enter such a setting, the emphasis lies on the viewer and their imagination. Instead of being presented with a complete vision, or with something posing as fact, openness and ambiguity are at the core of these viewing apparatuses.
The show’s title, dislocated discolated, represents Kolding’s ongoing fascination with the potential for something new that lies in every breakdown, collapse, or change in general. Dislocation stands for disruption, for a state of being displaced. More concretely, it can be read as a reference to one of the most challenging issues of our times. ‘Discolation’, on the other hand, is a word made up by Kolding himself by simply rearranging the existing letters of the original word (a word game that he pursued to an extreme in his new four-part poster produced for this show, which will also be hung up around Berlin). It entails the word ‘disco’ that is associated with a variety of celebratory, shimmering meanings.
The concept of dislocation probably comes into focus most prominently with the collage Foreign Fish (2017), in which a couple of men stand inside Mies van der Rohe’s famous Seagram building and stare at a gigantic, colorful fish passing though the otherwise grim surroundings. The safety of the rigidly planed inside collides with the chaotic phantom-like outside — a landscape and a group of people on a raft taken from the original illustration of Jules Verne’s Journey to the Centre of the Earth. All of the cut-outs are black and white except the fish. Simultaneously strange and beautiful, it introduces a new order. By continuously creating these speculative topographies, Kolding points at an openness that is at once challenging and reassuring.
+++The exhibition opening will be followed by an after-party with DJ sets by Wolfgang Tillmans and Lars Erik Frank+++

Jakob Kolding (*1971 in Albertslund, Denmark) has exhibited extensively throughout Europe and the United States. dislocated discolated is the artist’s first solo show in Berlin. He is currently working on a stage set for the Bregenzer Festspiele and regularly writes for the Berlin based magazine Starship where he translates his interest in reinventing and (de)constructing meaning into texts that reflect on his favorite books.
Kolding´s previous exhibitions include: The Museum of Contemporary Art, Chicago, IL; The Stedelijk Museum Bureau Amsterdam, Amsterdam, The Netherlands; The Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, Germany; Kunsthalle Wien, Vienna, Austria; Palais de Tokyo, Paris, France; Kunstverein in Hamburg, Germany; Museum Villa Stuck, Munich, Germany; Moderna Museet, Stockholm, Sweden; CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, USA; The Museum of Contemporary Art, San Diego, California; and The University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor.

Image: Jakob Kolding, We All Feel Better in the Dark, 2016, detail

With kind support by


Fri 02.12 to Sun 15.01 // EXHIBITION, OPENING // GALLERY

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Infos zur Ausstellung von Matthias Sohr
Die Eröffnung von der Ausstellung ist
am Freitag den 2. Dezember 2016
von 18 Uhr bis 22 Uhr.
Danach gibt es diese Öffnungs-Zeiten:
3. Dezember bis 17. Dezember 2016 und 13. Januar & 14. Januar 2017
Jeden Freitag und Samstag von 13 Uhr bis 18 Uhr.
Die Ausstellung kann man sich hier ansehen:
ACUD Galerie Berlin
Veteranenstraße 21
10119 Berlin
ACUD ist der Name von der Galerie.
Eine Galerie ist ein Raum,
in dem Ausstellungen gezeigt werden.
Für die Ausstellung hat sich Matthias Sohr
mit vielen Themen beschäftigt.
In der Ausstellung geht es zum Beispiel um:
• Familie und Familien-Zusammenhalt
• Selbst-Vertretung von Menschen
In seiner Ausstellung zeigt er verschiedene Skulpturen.
Skulpturen sind Figuren.
Zum Beispiel aus Plastik.
Oder aus Metall.
Matthias Sohr zeigt auch andere Dinge.
Zum Beispiel:
• Einen Treppen-Lift.
• Oder einen Rollstuhl.
• Oder bunte Tafeln an der Wand.
Matthias Sohr macht Kunst.
Er zeigt Dinge nicht einfach nur so.
Er möchte die Dinge anders zeigen,
als sie sonst sind.
Das ist ihm wichtig.
Infos über den Künstler
Der Künstler heißt Matthias Sohr.
Er wurde 1980 geboren.
Er kommt aus Düsseldorf.
Matthias Sohr ist Bildhauer.
Das heißt: Er macht Skulpturen.
Skulpturen sind Figuren.
Zum Beispiel aus Plastik.
Oder aus Metall.
Er hat in verschiedenen Ländern studiert.
Er hat seine Skulpturen schon oft gezeigt.
Diese ist seine erste Ausstellung in Berlin.
Information about the Exhibition of Matthias Sohr
The opening of the exhibition is
on Friday the 2nd of December 2016
from 18:00 to 22:00.
Afterwards these are the opening hours:
3 December to 17 December 2016 and 13 January & 14 January 2017
Every Friday and Saturday
from 13:00 to 18:00.
You can see the exhibition here:
ACUD gallery Berlin
Veteranenstraße 21
10119 Berlin
ACUD is the name of the gallery.
A gallery is a space
where exhibitions are shown.
Matthias Sohr has thought about many topics
for the exhibition.
For example, the exhibition is about:
• Family and family ties
• The agency of people
In his exhibition he shows different sculptures.
Sculptures are figures.
For example made from plastic.
Or from metal.
Matthias Sohr also shows other things.
For example:
• A stair lift
• Or a wheelchair
• Or colourful boards on the wall
Matthias Sohr makes art.
He doesn’t just show things.
He wants to show things differently
than they normally are.
That’s important to him.
Information about the artist
The name of the artist is Matthias Sohr.
He was born in 1980.
He is from Düsseldorf.
Matthias Sohr is a sculptor.
That means: He makes sculptures.
Sculptures are figures.
For example made from plastic.
Or from metal.
He has studied in various countries.
He has often shown his sculptures before.
This is his first exhibition in Berlin.
Übersetzt wurde der Text vom
AWO Büro Leichte Sprache. /
The text was translated by the
AWO Büro Leichte Sprache.
Die Ausstellung bekommt Geld
vom Senat Berlin. /
The exhibition receives money
from the Senate of Berlin.
Die Ausstellung wird unterstützt von /
The exhibition is supported by:
Acorn Mobility Services Ltd
BMW Niederlassung Berlin
Hempel GesundheitsPartner GmbH
HEWI Heinrich Wilke GmbH
Reha Hilfe Jessen GmbH
REHA mobil Berlin Medczinski GmbH
Bild / Image: Matthias Sohr, Stack, 2016


Fri 09.09 to Sun 11.09 // PLAY // GALLERY

Schaumstoff Laden
A play by Georgia Gray
Fri, 9. September 2016, 8 pm & Sun, 11. September 2016, 8 pm
Doors at 7 pm – First come first serve!
A 70s dark comedy, the play centres around the daily events in a lone plastic foam store: the Schaumstoff Laden. Customers drift in from the street, looking for foam to give them comfort and relief.
Foam: useful for everything that is not really purposeful, something to just fill in and absorb. Foam fills ideas of community, economy, and desire with an empty fluffiness. Foam dampens the din in between work and leisure. 70s raunch and glitz add a layer of kitsch to the stale white structure of foam. The all-male cast renders any distinction between the ordinary and the queer irrelevant: the characters are lightweight and shallow, as if lifted from a sitcom. The story might seem somewhat familiar – full of ideas the viewer has already encountered. The twisted need to restate the obvious leaves one wondering about the person who actually imagined these situations: a moody person who has a certain obsession with refusal, maybe a delinquent teenager who just won’t accept any social hierarchies or authoritative viewpoints. A person who is unwilling to accept “seriousness” to a tragic, even self-destructive degree. The audience is left to turn to themselves to identify that outsider.
Gray previously wrote and directed the play DD Mood (2014) at New Theater, Berlin, a theater that was built fundamentally on collaborations between musicians, artists and writers.
Costumes by Leila Hekmat & Mia von Matt
Produced by facetime, Max Pitegoff & Calla Henkel
Starring: Patrick Armstrong, Dan Bodan, Preston Chaunsumlit, Julian Garcia, Kyle Joseph, Pablo Larios, Patrick McGraw, Felix Mura, Isaac Penn, Elias Pitegoff, Billy Rennekamp, Tobias Spichtig
Special thanks to Olga Balema
With kind support by Julia Stoschek and



Fri 09.09 to Sun 23.10 // EXHIBITION // GALLERY

Opening: Fri, 9. September 2016, 7 pm-12 am
9. September – 23. October 2016, Thu – Sat, 1-6 pm
Curated by Elodie Evers
ACUD is pleased to present a solo exhibition by Georgia Gray, featuring recent paintings and sculptures. Her figures seem to originate in the past: gritty 70s glam might mix with Rococo kitsch, creating her own time period where repression and bliss set the pace. Camouflaged in their lush attire, her protagonists avert their gaze both from the viewer and their densely decorated surroundings. They seem to portray a lack of empathy toward their peers, favoring tepid isolation. The paintings’ groundless backdrop also takes the stage in the play Schaumstoff Laden.
While the themes seem heavily laden with importance (gender imbalance, mental illness, racial stereotyping), she touches on them with a gloved hand, pointing to something more abstract – a perspective on a flawed and often perverse world where things happen in an unpredictable and undesirable way.
Georgia Gray (born 1988 in New York City) lives and works in Berlin. She studied at Cooper Union in New York.
Image: Georgia Gray, Vienna Café, 2016


Fri 08.07 to Sun 31.07 // EXHIBITION // GALLERY

ERÖFFNUNG: FR, 8. JULI 2016, 19 -23 UHR
AUSSTELLUNG: 9. – 31. JULI 2016, DO – SA, 13 – 18 UHR
Kuratiert von Elodie Evers
Die Ausstellung im ACUD bringt zwei Werke zusammen, die auf formal sehr unterschiedliche Art und Weise eine kritische Auseinandersetzung mit sozialer Ungleichheit ermöglichen. Während Willem de Rooij die Anwesenheit des Abwesenden sichtbar macht, schlägt Mario Pfeifer im wahrsten Sinne des Wortes lautere Töne an. Verhandelt wird, was zumindest in Deutschland kaum Gegenstand öffentlicher Debatten ist: das Geflecht der identitätsformenden Kategorien von „Whiteness“ und „Blackness.“
Willem de Rooij hat mit seiner multimedialen Praxis über Jahrzehnte eine selbstreferentielle Syntax geschaffen, in der er die einzelnen Elemente seiner Arbeiten (re)kombiniert und durch unterschiedliche Autorinnen erweitert. Die komplexen Bedeutungsebenen seiner Werke verdichten sich formal immer zu einer klaren visuellen Einheit.
2002 begann de Rooij die bis heute fortlaufende Serie der Bouquets. Von dafür ausgewählten Floristen präzise orchestriert und auf freistehenden Sockeln präsentiert haften den monumentalen Blütenarrangements je unterschiedliche Referenzen zu Symbolik und Provenienz an. Gemein ist ihnen die Repräsentation gesellschaftlicher Strukturen. Das im ACUD ausgestellte Bouquet IX (2012) besteht aus zehn Sorten strahlend weißer Blumen, die zu einem Durchmesser von einem Meter radial aufgefächert ein imposantes, barockes Gesteck bilden. Das Weiß des Bouquets, seiner Vase und Stele verwächst mit dem Hintergrund der weißen Wand des Ausstellungsraumes. Wie in einem Kippbild hebt sich der Grund ab und nicht die Figur. Das sonst so unsichtbare Weiß des White Cubes tritt nach vorne, das vermeintlich „Normale“ fällt in den Blick und wird selbst als Konstruktion, als Inszenierung kenntlich gemacht. Versteht man die prächtigen Blüten, die so überlegen majestätisch und voll exklusiver Schönheit über dem Boden thronen als Verkörperung der „White Supremacy“, also der Universalität von Weißsein, steckt man plötzlich mittendrin in der Debatte über „race.“ Gerade die Tatsache, dass Weiße den unsichtbaren Status von Weißsein nicht erkennen, führt dazu, dass sie die eigene Hegemonie nicht wahrnehmen. Diese „color-blindness“ dient letztlich nur dem Fortbestand weißer Privilegien. Es gilt, den Blick nicht nur auf die Unterdrückten, sondern ebenfalls auf die Unterdrücker zu richten. Nach dem Ende der Ausstellung hinterlassen die Bouquets eine Leerstelle, die auf Reflexion insistiert: Die Identifikation mit Weißsein ist die Voraussetzung um den schwarz-weißen Antagonismus zu durchbrechen. Willem de Rooijs Bouquet IX lässt sich als Einladung verstehen, ein weißes Subjekt zu entwerfen, welches nicht nur negativ, sondern auch positiv, also antirassistisch konnotiert ist.
Mario Pfeifers künstlerische Praxis widmet sich den Konventionen der (filmischen) Repräsentation. Er spielt mit dem ethnographischen Blick und der Verschränkung von Fakt und Fiktion im Dokumentarfilm. Auf zahlreichen Reisen kollaborierte er mit Menschen in ihrem spezifischen kulturellen und soziopolitischen Kontext, um die so gewonnenen Einsichten und Erfahrungen in seine multimedialen Arbeiten zu übersetzen.
Pfeifers Video #blacktivist entstand 2015 als gemeinsames Projekt mit dem in Brooklyn ansässigen Rap-Trio Flatbush ZOMBiES, das mit seinen psychedelischen Songs bekannt wurde. Meechy Darko, Zombie Juice und Erick „Arc“ Elliott schrieben die Musik und die zornigen Lyrics, Pfeifer entwickelte die Bildspur dazu. In dem Video, das in kürzester Zeit zur Netzsensation wurde und inzwischen mehr als 2,6 Millionen Plays zählt, vermischen sich Popkultur und Sozialkritik mit Verweisen auf die Geschichte des schwarzen Aktivismus in den USA. Die wilde Bildcollage ist ein warnender Aufruf und ein wütender Fingerzeig auf die von Rassismus geprägte Gewalt, die vielen Afroamerikaner gegenwärtig in Amerika widerfährt.
Erstmals in Europa zeigt das ACUD eine in Folge des Musikvideos produzierte Zweikanal-Installation Pfeifers. Hier stehen dem energiegeladenen Musikvideo Interviews mit den Rappern und Aufnahmen einer Fabrik des texanischen Non-Profit-Waffenherstellers „Defense Distributed“ entgegen, der die erste 3D-druckbare Handfeuerwaffe produziert und das Design des Modells „Liberator“ zum kostenlosen Download für Privatpersonen freigegeben hat. Das Unternehmen stützt sich damit auf das Recht auf Waffenbesitz, das indirekt im 2nd Amendement der amerikanischen Verfassung festgeschrieben ist. Die ZOMBiES kritisieren indes die amerikanische Rechtslage scharf. Freie Meinungsäußerung scheint gewährleistet, aber nur wenige Stimmen werden gehört. Die Rechte auf Selbstverteidigung und Waffenbesitz führen nicht zu verstärktem Schutz, sondern zu unbeschreiblicher Waffengewalt, die sich vor allem gegen marginalisierte Gruppen richtet. Die mangelnde „gun control“ und der herrschende Rassismus zersetzen den polizeilichen Apparat, ergreifen das Leben von Privatpersonen und die Black Community selbst. Die Ermordung des afroamerikanischen Teenagers Trayvon Martin durch ein weißes Bürgerwehrmitglied in Florida zeigt, dass man nicht von einer „post-race”-Ära seit Obama sprechen kann. Die ZOMBiES und die #BlackLivesMatter-Bewegung rufen Martins Namen mit lauter Stimme in Erinnerung. Über das Medium des Musikvideos, das heute eines der wichtigsten Reservoirs für Empowerment und kulturelles Unbewusstes bietet, erreicht die Videokunst Pfeifers und die Musik der ZOMBiES ein Publikum, von dem die Kunstwelt oft nur träumen kann. Umgekehrt trägt die Musik die im Digitalen entfachte politische Debatte um „Blackness“ in den Ausstellungsraum und füllt damit ebenfalls eine Leerstelle mit einer lauten Message.
Im Anschluss an die Eröffnung findet eine After-Party mit DJ Sets von Alis, An ni, Jacki, Hunni´d Janas und Laura Clock im ACUD club statt.
Willem de Rooij (geboren 1969 in Beverwijk, Niederlande) ist seit 2006 Professor für Freie Bildende Kunst an der Städelschule in Frankfurt am Main. Ausgewählte Einzelausstellungen: MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main; Regen Projects, Los Angeles; Le Consortium, Dijon; Weltkulturen Museum, Frankfurt; Witte de With, Rotterdam, The Jewish Museum, New York, Neue Nationalgalerie, Berlin. Ausgewählte Gruppenausstellungen: The Magic of Things. Perfidious Objects, Hamburger Kunsthalle; Adventures of the Black Square: Abstract Art and Society 1915—2015, Whitechapel Gallery; Perfect Lovers, Art in the Time of AIDS, Fundació Suñol, Barcelona.
Mario Pfeifer (geboren 1981 in Dresden) studierte an der Universität der Künste Berlin, an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig, an der Städelschule, Frankfurt am Main und am California Institute of the Arts, Los Angeles. Ausgewählte Einzelausstellungen: Ludlow38, New York; Circa Projects, Newcastle; Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile, Project 88, Mumbai; Fotomuseum Winterthur, KOW, Berlin. Ausgewählte Gruppenausstellungen: Gives Us The Future, Neuer Berliner Kunstverein; A Taste of Ashes Fills the Air, Center for Contemporary Photography, Melbourne; MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main; 4te Marrakesch Biennale; New Topographies, LACMA, Los Angeles; ANTIREPRESENTATIONALISM I-III, KOW, Berlin.